"Der Mann stieg aus dem Meer und trug sein eigenes Aquarium bei sich": Online-Ausstellung, kuratiert von Francesca Rivetti, Zeitgenössische bildende Künstlerin und Fotografin

In diesem kleinen Mosaik aus der Mitte des 19. Jahrhunderts folgt die figürliche Darstellung den naturalistischen Prinzipien der Wirklichkeitsabbildung und würdigt ein urtümliches Bedürfnis aller Lebewesen: den Durst stillen zu können.

Die Komposition wirkt harmonisch und, gemessen an der Technik des Mosaiks, überraschend fließend, obwohl sie aus äußerst kleinen Mosaiksteinen besteht. Der Rhythmus der Szene scheint durch die Berührung des Schnabels der zentralen Taube bestimmt zu werden: Indem sie das Wasser kräuselt, verleiht sie einer ansonsten eher statischen und feierlichen Komposition eine dynamische Bewegung. Durch diese Bewegung sowie durch den Kontrast zwischen der gleichmäßigen Helligkeit der Figuren im Vordergrund und der ungegliederten Dunkelheit des Hintergrunds tritt die Identität des eigentlichen, zunächst verborgenen Motivs hervor: das Wasser selbst. Die sinnliche Frische des aquatischen Elements wird so zum wahren stillen Protagonisten des Werkes

Landschaft mit Hellebardier ist ein kleines Gemälde auf Leinwand aus dem Jahr 1673, das in der Manier von Salvator Rosa ausgeführt wurde.

In diesem Werk verleiht die doppelte Diagonale, die zugleich durch die Symmetrie zwischen der verdrehten Stellung des großen zentralen Baumes und der entsprechenden Haltung der Hellebarde gebildet wird, dem grundlegenden Chaos einer wilden Naturlandschaft eine geometrische Ordnung.

Hinter der Figur des Hellebardiers, am Horizont, konkurriert ein nahezu phosphoreszierender Reflex einer Wasserfläche mit dem Blau des Himmels um die Aufmerksamkeit des Betrachters. Auf den ersten Blick mag dieses malerische Element lediglich ein beiläufiges Detail zu sein scheinen; bei genauerer Betrachtung erweist es sich jedoch als Symbol des Ursprungs des Lebens und damit zugleich als Sinnbild jener belebenden Kraft, die auch die menschliche Figur durchdringt. Auf seine eigene, subtile Weise wirkt es beinahe wie eine verborgene Aureole.

Auf dieser mittelgroßen Leinwand stellt Dughet die aus Ovids Metamorphosen bekannte Episode der Göttin Latona dar. Von der Verfolgung Junos erschöpft, sucht sie an einem Teich ihren Durst zu stillen. Einige Bauern hindern sie jedoch daran, indem sie das Wasser aus Spott aufwühlen und trüben. In ihrer Würde verletzt, verurteilt die Göttin sie zur Verwandlung in Frösche.

Obwohl die Wasserfläche im Vordergrund nur einen kleinen Teil des Bildes einnimmt, ruht gerade auf diesen schmalen, flüssigen Linien, scheinbar nebensächlich und doch entscheidend, der innere Geist der gesamten Komposition. In diesen zarten, beinahe schwebenden horizontalen Flächen liegt die unbewegte Dichte eines magischen Zustands, einer Ruhe, die der Schwerkraft zu widerstehen scheint und die Zeit innerhalb des Bildes ausdehnt.

Im Spiel der vertikalen und horizontalen Linien, in der Nähe des großen Baumes im Zentrum der Szene, erkennt man einen nach oben gestreckten Arm mit geöffneter Hand: Es ist der Augenblick, in dem ein Mensch mitten in seiner Verwandlung begriffen ist, bereits amphibische Züge annimmt und kurz davorsteht, dem Schicksal eines Frosches überlassen zu werden. Ein schwebender Moment, in dem Schuld, Strafe und Wunder in derselben unbewegten Wasseroberfläche miteinander verschmelzen.

Giuseppe Maria Crespi, genannt Lo Spagnuolo (Bologna, 1665-1747), war ein außergewöhnlich vielseitiger Künstler aus Bologna, der sich sowohl der sakralen als auch der profanen Malerei widmete.

In Johannes der Täufer tauft die Menschenmenge (um 1730) ist das Wasser nur kaum sichtbar und tritt lediglich im unteren Bereich der Komposition hervor. Dennoch wird seine Präsenz, so zurückhaltend sie auch sein mag, beinahe unbewusst wahrgenommen. Ein raffiniertes Geflecht perspektivischer Linien lenkt die gesamte Dynamik des Bildes auf die Geste des Täufers, der das zentrale Zentrum der Komposition bildet.

Das Wasser stellt die materielle und symbolische Grundlage der gesamten Szene dar. Im oberen Bereich des Gemäldes verdunkelt sich die Atmosphäre zunehmend, je weiter man sich gedanklich von der Wasserfläche entfernt. Die rituelle Nutzung des Wassers und seine Bedeutung als Transportmittel gehören wohl zu den universellsten Erscheinungen der Kulturgeschichte, von den alten Ägyptern und Babyloniern über die Mythen der Maya bis hin zum Koran.

In dieser Taufe der Menschenmenge, die von einer ausgeprägten Hell-Dunkel-Wirkung geprägt ist, tritt die Essenz einer kollektiven und symbolischen Verwendung des Wassers deutlich hervor. Das Element erhellt die Figuren mit einem sanften Licht, das sich dennoch in der sinnlichen Wahrnehmung des Betrachters widerspiegelt.

Luigi Ghirri (Scandiano, 1943-1992) war einer der bedeutendsten Meister der zeitgenössischen italienischen und internationalen Fotografie. Im Zentrum seines künstlerischen Schaffens standen die Themen des Sehens und des visuellen Denkens. Besonders exemplarisch ist dieses Bild, in dem das Meer, reduziert auf einen schmalen horizontalen Streifen von sanft abgestuftem Blau, zugleich stilisiert und hervorgehoben wird, bis es die Gestalt einer kleinen, geheimnisvollen Ikone annimmt.

Das reflektierte Motiv bildet den einzigen wirklich scharf fokussierten Bereich der Komposition. Ringsherum scheinen lediglich einige leicht unscharfe, vertikal angeordnete Hinweise einen abstrakten und stillen Rahmen zu bilden, der den zentralen Bildausschnitt mit dem Meer noch stärker hervorhebt. Es handelt sich um eine Komposition, die sich weniger an das Auge als vielmehr an das Unbewusste zu richten scheint.

Die Fotografie zeigt den Strand und das Meer von Marina di Ravenna, Orte, die eng mit Ghirris innerer Geografie verbunden sind. Das Werk gehört zu jener Werkgruppe, Paesaggi di cartone (Landschaften aus Karton), die später in das Projekt Kodachrome einfloss. Darin werden Schaufenster, Fragmente, Ausschnitte und alltägliche Szenerien, visuelle Objets trouvés und Ready-mades, durch Ghirris besondere Art des Beobachtens verwandelt. Wie John Berger in Vom Sehen schrieb: „Eine Sicht auf die Welt, die Zusammenhang und Kontinuität verneint und doch jedem Augenblick den Charakter eines Geheimnisses verleiht.“

Mare verde. Das letzte Werk der Ausstellung stammt von dem italienischen Künstler Stefano Arienti (*1961 in Asola), dessen Interessen unter anderem der Biologie und der Kunstgeschichte gelten. In der Tradition der Arte Povera stehend, geht Arienti häufig von außermalerischen Materialien aus, die er mithilfe unterschiedlichster Techniken bearbeitet und umgestaltet. Dadurch verleiht er ihnen neue Bedeutungen, die oft eine ausgeprägt metaphysische Dimension annehmen.

Das Werk besteht aus einem großformatigen laminierten Poster, das eine zeitgenössische Meereslandschaft zeigt: grün schimmerndes Wasser, an den Bildrändern Boote und menschliche Figuren.

Im Zentrum verbindet und trennt zugleich ein Reißverschluss das Meer. Auf der Kunststoffoberfläche angebracht, erzeugt er eine Art vertikale Zäsur im Bild und legt der Wahrnehmung die konzeptuelle Alternative einer metaphorischen Öffnung oder Schließung nahe.

Das Meer erscheint dadurch nicht mehr nur als Landschaft, sondern als Schwelle, als Oberfläche, die Bedeutungen zugleich verbergen und offenbaren kann. Der Reißverschluss verwandelt das Bild in einen Raum der Möglichkeiten, in dem Materie und Idee, Wirklichkeit und Vorstellungskraft in einem spannungsvollen Gleichgewicht miteinander verschmelzen.

Wie Francesco Ferrari schreibt: „Eine Untersuchung des Verhältnisses von Materie und Begriff mithilfe ungewöhnlicher Techniken und Materialien. Eine Kunst, in der sich das Spielerische, das Ironische, das Technologische, das Alternative und das Engagierte nahtlos miteinander verbinden.“ (F. Ferrari, Einführung zu Del contemporaneo, B. Mondadori).