“L’uomo era uscito dal mare portando con sé il proprio acquario”: Mostra online curata da Francesca Rivetti, artista e fotografa contemporanea

In questo piccolo mosaico della metà del XIX secolo, la narrazione figurativa rispetta, la rappresentazione del reale, i canoni naturalistici, per celebrare un bisogno primordiale d’ogni essere del creato: quello di potersi dissetare. La composizione appare armoniosa, sorprendentemente fluida trattandosi pur sempre di un mosaico, anche se “minuto” (minute le tessere di cui è composto).

Il ritmo della scena sembra essere scandito dal tocco del becco della colomba centrale: increspando l’acqua, essa imprime un moto dinamico ad una struttura altrimenti ieratica. Grazie a questo movimento e tramite il contrasto tra la luminosità uniforme delle figure in primo piano e l’oscurità non sfumata degli sfondi, viene restituita l’identità del soggetto latente, l’acqua, la freschezza sensoriale dell’elemento acquatico, vero protagonista silente dell'opera.

Paesaggio con alabardiere è una piccola tela del 1673 dipinta alla maniera di Salvator Rosa.

 In quest’opera, la doppia diagonale — tracciata contemporaneamente dalla simmetria dalla posizione contorta del grande albero centrale e dall’analoga positura dell’alabarda — conferisce un ordine geometrico al disordine sostanziale di una natura selvaggia. Alle spalle della figura dell’alabardiere, ai limiti dell’orizzonte, a contendere il campo della percezione visiva all’azzurro del cielo, un riflesso, quasi fosforescente, dato da una conca d’acqua.

Questo elemento pittorico parrebbe suggerire soltanto un incidentale accenno, eppure, ad una migliore considerazione, si rivela piuttosto costituire il simbolo di un’origine di vita che, in quanto tale, vale anche a rappresentare l’elemento vivificatore della figura umana: e a suo modo quasi a funzionare da latente aureola.

Il dipinto intitolato Latona trasforma i contadini in rane è un'opera di Gaspard Dughet (1615-1675), raffinato paesaggista del barocco romano.

L’opera raffigura, in questa tela di medie dimensioni, l’episodio ovidiano della dea Latona che, stremata dalla persecuzione di Giunone, era desiderosa di dissetarsi presso uno stagno. Ma alcuni contadini, le impedivano di bere l’acqua, intorbidendola per scherno; fu allora che la dea, offesa nella sua dignità, li condannò alla metamorfosi in rane. Benché, nel quadro, la porzione d’acqua occupi un tratto esiguo del primo piano, è proprio su quelle sottili righe liquide — apparentemente marginali e tuttavia decisive — che si regge l’intrinseco spirito dell’intera composizione. In quelle superfici orizzontali, delicate e quasi sospese, si avverte lo spessore immobile di uno stato magico, di una quiete che sembra opporsi alla gravità, dilatando il tempo dell’immagine.

Nel gioco incrociato delle linee verticali e orizzontali, in corrispondenza del grande albero centrale alla scena, si scorge un braccio teso verso l’alto, la mano aperta in un gesto: è l’attimo in cui l’uomo, colto nel pieno della propria metamorfosi, si realizza anfibio, ormai sul punto di essere consegnato al destino della rana. Un istante sospeso, in cui colpa, punizione e prodigio vengono a fondersi, nella stessa immobile superficie d’acqua. 

Giuseppe Maria Crespi, detto Lo Spagnuolo (Bologna 1665 -1747) San Giovanni Batista battezza le folle 1730 circa.

Artista bolognese di straordinaria versatilità, capace di spaziare dall'arte sacra a quella profana. Nel San Giovanni Battista battezza le folle, l'elemento acquatico si intravvede appena, affiora nella parte inferiore della composizione. Tuttavia, pur nella sua presenza discreta, si intuisce inconsciamente. Un sapiente intreccio di linee prospettiche fa convergere l'intera dinamica della composizione nel gesto, nella prospettiva centrale, del Battista. Costituendone il presupposto materiale e simbolico dell'intera scena.

Nella parte superiore del quadro, man mano che ci si allontana dall'acqua, l'aria si fa più oscura. L'uso rituale dell’acqua - e quello legato al trasporto - è forse il più universale nella storia delle civiltà: dagli antichi egizi alla Babilonia, dai miti Maya fino al Corano. In questo battesimo delle folle, immerso in un'atmosfera fortemente chiaroscurale, emerge con evidenza l'essenza di un uso collettivo e simbolico dell'acqua, che illumina le figure di luce tenue ma capace di riverberarsi nella dimensione sensibile.

Luigi Ghirri (Scandiano 1943–1992) è stato uno dei maestri della fotografia contemporanea italiana e internazionale, ponendo al centro della sua ricerca il tema del “guardare” e il “pensiero visivo”.

Emblematica è questa immagine, nella quale il soggetto del mare — ridotto a una sottile striscia orizzontale di blu sfumato — viene insieme stilizzato ed enfatizzato, sino ad assumere l’aspetto di una piccola misteriosa icona. Il soggetto riflesso costituisce l’unica parte realmente a fuoco della composizione; intorno, solo pochi indizi leggermente sfocati e disposti in senso verticale, sembrano trasformarsi in una cornice astratta e silenziosa, destinata a far risaltare ancor più la porzione centrale dedicata al mare. È una composizione che, più che all’occhio, sembra rivolgersi all’inconscio.

La fotografia ritrae la spiaggia e il mare di Marina di Ravenna, luoghi cari alla geografia interiore di Ghirri. L’opera appartiene a quella ricerca, Paesaggi di cartone, poi confluita in Kodachrome, nella quale vetrine, frammenti, porzioni e scenari comuni, objet trouvé, ready‑made visivi, vengono trasformati, dal vertice osservativo ghirriano. Come ha scritto John Berger in Sul guardare: «Una visione del mondo che nega la connessione e la continuità, ma che conferisce a ogni momento il carattere di un mistero».

Mare verde. L’ultima opera della mostra è un lavoro dell’artista italiano Stefano Arienti (1961 Asola) appassionato della biologia e della storia dell’arte, tra le altre cose.

Cultore della “arte povera” e più particolarmente, partendo l’artista dall’utilizzazione di materiali extrapittorici, attraverso svariate tecniche, ne giunge ad una rielaborazione della relativa fisionomia, pervenendo a dotarla di ulteriori significati, dall’indole più marcatamente metafisica.

L’opera consiste in un grande poster plastificato, raffigurante una veduta marina contemporanea, con acque verdi; barche e presenze umane, agli angoli. Al centro unisce o divide il mare una cerniera lampo, su questo materiale plastico, una sorta di cesura verticale dell’immagine vale a suggerire, alla sensibilità personale, l’alternativa concettuale di una metaforica apertura o chiusura. “Indagine tra materia e concetto attraverso tecniche e materiali inconsueti. Un’arte in cui si fondono senza soluzione di continuità il ludico, l’ironico, il tecnologico, l’alternativo, e l’impegnato”. (F. Ferrari, introduzione "Del contemporaneo B. Mondadori)